domenica

Museion • Bolzano

  Arte Contemporanea News  

Arsenale
Opere grafiche dalla collezione di Museion

Da William Kentrigde a Raymond Pettibon, da Walther Pichler a Matt Mullican: saranno più di trenta gli artisti presenti nella mostra “Arsenale. Opere grafiche dalla collezione di Museion”. L’esposizione offre una panoramica sul disegno dagli anni ’60 ad oggi ed è articolata in due sezioni: al Museion di Bolzano e alla Lanserhaus di Appiano. Saranno più di cento le opere esposte, tutte provenienti dalla collezione di Museion e mai presentate al pubblico fino ad oggi. La mostra intende mettere in dialogo diverse posizioni di artisti internazionali provenienti da Austria, Germania, Italia e America, esposti nella sezione di Appiano, con opere di artisti altoatesini, in mostra a Museion. Uno sguardo su entrambe le sezioni permette di mettere a fuoco un’immagine complessiva. I lavori esposti sono declinazioni del disegno nelle sua accezione più contemporanea – disegno con tecniche miste come la fotografia, la fotocopia e il fumetto o con procedimenti di stampa insoliti. Saranno presenti però anche opere che tradizionalmente associamo al concetto di grafica come acqueforti, incisioni e fotografie. Artisti in mostra nella sede di Appiano, Lanserhaus: Francis Alys, Günter Brus, Hanne Darboven, Öyvind Fahlström, Lucio Fontana, Peter Friedl, Hamish Fulton, Franz Graf, William Kentridge, Edoardo Landi, Christine Meisner, Matt Mullican, Oswald Oberhuber, Claudio Parmiggiani, Raymond Pettibon, Walter Pichler, Gerhard Rühm.

"Großes Kreuz und Doppelkopf" - 1977 - crayon ink on paper - 18x21cm / 7.1 x 8.3"
Walter Pichler - WP/Z 7701

Artisti in mostra a Museion: Gotthard Bonell, Julia Bornefeld, Piero Carlesso, Arnold Dall’O, Erich Kofler-Fuchsberg, Marcello Iori, Annemarie Laner, Heinz Mader, Brigitte Mahlknecht, Manfred A. Mayr, Philipp Messner, Carmen Müller, Christian Reisigl, Hubert Scheibe, Peter Senoner, Berty Skuber, Paul Thuile, Markus Vallazza. “Arsenale. Opere grafiche dalla collezione di Museion”. A cura di Andreas Hapkemeyer.
Inaugurazione: venerdì 1 luglio 2011
alle ore 17.30 presso Lanserhaus, Appiano
alle ore 19.30 a Museion, Bolzano
Per l’occasione Museion ospita il Jazz Festival dell’Alto Adige: sempre venerdì 1 luglio, alle ore 21.00 il concerto del violoncellista e trombonista Dana Leong dà il via a un week-end all’insegna di arte e musica. (vedi programma allegato) La mostra rimarrà aperta fino al 6 novembre 2011. “Arsenale” è una collaborazione tra Lanserhaus di Appiano e Museion





The National Gallery of Australia


  Arte Contemporanea News   

Fred Williams
Infinite horizons

Fred Williams is one of Australia’s greatest painters. He created a highly original and distinctive way of seeing the Australian landscape and was passionate about the painting process itself. This is the first major retrospective of Williams’ work in over 25 years. It highlights Williams’ strength as a painter including important large oil paintings and luminous gouaches to reveal his distinctive approach, often combining a feeling for place with a strong abstract emphasis.

Williams’ inspiration often emerged from the unique qualities of landscapes around Australia, from Upwey in Victoria to the Bass Strait in Tasmania and the Pilbara region of Western Australia. Although Williams is most often associated with dry environments, some of the surprises in the exhibition are the works that reveal his fascination with water – ponds, rivers, waterfalls and seascapes. The show uncovers other unexpected elements, such as portraits of his family and friends, and delicate studies in gouache of plants and animals.

(Elephant) c.1955 - Signed lower left in black ink "Fred Williams". Not dated.
image 44.0 (h) x 46.6 (w) cm - Purchased from Gallery admission charges 1983
National Gallery of Australia, Canberra - NGA 1983.2989.5
© estate of Fred Williams 

Although Fred Williams is best known as a landscape artist, his training and early work was grounded in figuration. In late 1943, at the age of sixteen, he enrolled in the National Gallery School, Melbourne, where he undertook drawing classes. He subsequently studied painting with William Dargie who advocated a subtle, tonal approach and also received tuition from modernist painter, George Bell, who ran private classes.

Williams adopted what he needed from both teachers, balancing artistic tradition with a spirit of innovation. He also embarked on a process of self education, studying works in public galleries and reading as much as he could about art. His interest in European and Australian art would continue through his life.

From 1952 until late 1956, having made the pilgrimage from Melbourne to London, Williams regularly visited art galleries and museums. In London he worked in the framing business of Robert Savage. During this time he attended classes at the Chelsea Art School and undertook etching at the Central School of Art. His subjects included Music Hall performers and working people involved in activities of daily life. It was after his return to Australia in 1957 that the local landscape became the main focus of his art.



The Metropolitan Museum of Art

  Arte Contemporanea News  

Night Vision: Photography After Dark
 
April 26, 2011–September 18, 2011
The Howard Gilman Gallery, 2nd floor

At the turn of the last century, night photography came into its own as an artistic genre. In the early years of the medium, capturing images under low-light conditions was nearly impossible, but by the early twentieth century, faster films, portable cameras, and commercial flashbulbs freed artists to explore the graphic universe of shimmering light and velvety darkness that reveals itself in the hours between dusk and dawn. Modern camera artists were captivated by the many moods of electric light: the softly shining globes of street lamps, glittering skyscraper façades, dazzling neon signs, the intimate chiaroscuro of lamplit rooms. Night photographers were also particularly fond of rain, snow, ice, and fog—for both aesthetic and practical reasons. Wet pavement and rising mist can lend pictures an atmosphere of lush poetic reverie; they also reflect and diffuse the available light, shortening exposure times.



: Alvin Langdon Coburn (British, Boston, Massachusetts 1882–1966 Denbighshire, Wales)
: Broadway at Night - ca. 1910 - Photogravure
20.2 x 14.9 cm (7 15/16 x 5 7/8 in. )
The Elisha Whittelsey Collection, The Elisha Whittelsey Fund, 1972

In the 1930s, inspired by the pioneering work of Brassaï in Paris and Bill Brandt in London, photographers began to turn their attention to the social life of the city at night, from the convivial hubbub of Little Italy's Feast of San Gennaro to the top-hatted elegance of opening night at the opera. Others were drawn to the gritty underworld of nocturnal outlaws or to lone figures on the margins, picturing the night as a shadowy realm of pleasure, danger, and transgression. More recently, artists have delved even deeper, adapting techniques of police and military surveillance (hidden cameras, searchlights, infrared film) to pry into hidden corners of the night, driven by an ageless desire to make darkness visible.
This installation surveys the ways in which modern photographers have used the camera to explore the visual and symbolic potential of the nocturnal image. Among the featured works are moody Pictorialist nocturnes by Edward Steichen and Alvin Langdon Coburn; shadowy street scenes by Brassaï, Bill Brandt, and Robert Frank; electric light abstractions by Italian Futurist Giuseppe Albergamo; and aerial views of suburban Los Angeles at night by contemporary artist David Deutsch. Drawn entirely from the Metropolitan's collection, the installation includes approximately forty photographs, ranging from the late 1890s to the present. 


Kunst Museum Basel

  Arte Contemporanea News  

Max Beckmann
Die Landschaften 

4 September 2011  –  22 January 2012

Max Beckmann (Leipzig 1884 – 1950 New York) ist einer der Titanen der Moderne, dabei verstand er sich selbst als der letzte Alte Meister. Er schloss sich keiner der avantgardistischen Strömungen des 20. Jahrhunderts an, und doch haben die Erfahrungen des Impressionismus, des Expressionismus, der Neuen Sachlichkeit und der abstrakten Kunst in seinem Werk Spuren hinterlassen. Lange Zeit wurde Beckmann als typisch deutscher Künstler wahrgenommen, erst in den letzten Jahren ist seine Bedeutung durch Retrospektiven in Paris, London und New York international angemessen gewürdigt worden. Entgegen der Tendenz der Moderne zur Auflösung der traditionellen Gattungen hielt Beckmann ein Leben lang fest an den klassischen Genres des Figurenbildes, dies in Form von Portraits, mythologischen Tableaus und Akten, des Stilllebens und der Landschaft. Berühmt als Maler der «condition humaine», hat er zugleich wie kaum ein anderer Künstler des 20. Jahrhunderts das Landschaftsbild auf herausragende und eindringliche Weise erneuert. Die grosse Sonderausstellung im Kunstmuseum Basel richtet nun den Blick auf das Landschaftswerk des Künstlers. Zu sehen sind 70 Gemälde, Meisterwerke wie Der Hafen in Genua aus dem St. Louis Art Museum oder Meeresstrand aus dem Museum Ludwig, Köln, aber auch grandiose Werke aus zahlreichen Privatsammlungen, die teilweise kaum je ausgestellt waren. Zwei weitere Ausstellungen schaffen eine ideale Ergänzung und die einmalige Gelegenheit, sich umfassend mit dem Werk von Beckmann zu beschäftigen: Max Beckmann.



Von Angesicht zu Angesicht im Museum der bildenden Künste, Leipzig (17. September 2011 – 22. Januar 2012) sowie Beckmann & Amerika im Städel Museum, Frankfurt (7. Oktober 2011 – 8. Januar 2012). In seinen Landschaftsbildern zeigt sich Beckmanns künstlerische Entwicklung in Reinform. Weniger geprägt von allegorischen Sinnschichten, werden hier die grossartigen malerischen Qualitäten Beckmanns auf unmittelbare Weise sichtbar. Auffällig bleibt Beckmanns distanzierte Sichtweise auf die Landschaft: Fensterausblicke, Vorhänge, Brüstungen, Säulen und erhöhte Blickperspektiven vermitteln öfters zwischen bewohnter Welt und der Unbegrenztheit der Natur. Persönliche Gegenstände, die als Stilllebenrest im Vordergrund dieser Landschaften häufig auftauchen, lassen die Anwesenheit des Künstlers spürbar werden. Die Ausblicksdramaturgie macht deutlich, dass Beckmann ein abstrakt konzipiertes Bild von Landschaft mit dem erinnerten Landschaftseindruck vereint, der die Grundlage eines jeden Bildes ist. Der Blick, den er auf die Natur richtet, klärt seinen Standpunkt und setzt ihn in ein Verhältnis zur Welt. Wie sich dieses Verhältnis verändert, zeigen die Landschaftsbilder aus den verschiedenen Lebensphasen.

Kuratoren: Bernhard Mendes Bürgi & Nina Peter


TATE Gallery

  Arte Contemporanea News   

Yayoi Kusama
 
9 February  –  5 June 2012

The nine decades of Yayoi Kusama's life have taken her from rural Japan to the New York art scene to contemporary Tokyo, in a career in which she has continuously innovated and re-invented her style. Well-known for her repeating dot patterns, her art encompasses an astonishing variety of media, including painting, drawing, sculpture, film, performance and immersive installation. It ranges from works on paper featuring intense semi-abstract imagery, to soft sculpture known as "Accumulations", to her "Infinity Net" paintings, made up of carefully repeated arcs of paint built up into large patterns. Since 1977 Kusama has lived voluntarily in a psychiatric institution, and much of her work has been marked with obsessiveness and a desire to escape from psychological trauma. In an attempt to share her experiences, she creates installations that immerse the viewer in her obsessively charged vision of endless dots and nets or infinitely mirrored space.
At the centre of the art world in the 1960s, she came into contact with artists including Donald Judd, Andy Warhol, Joseph Cornell and Claes Oldenburg, influencing many along the way. She has traded on her identity as an "outsider" in many contexts - as a female artist in a male-dominated society, as a Japanese person in the Western art world, and as a victim of her own neurotic and obsessional symptoms. After achieving fame and notoriety with groundbreaking art happenings and events, she returned to her country of birth and is now Japan's most prominent contemporary artist. 
This is a varied, spectacular exhibition of a truly unique artist. There has never been an exhibition of this size of her work in the UK and this is an unmissable opportunity for both Kusama fans and those new to her work.


Yayoi Kusama
The Passing Winter  2005 (detail)
© Tate. Presented by the Asia Pacific Acquisitions Committee 2008. Photo: Tate Photography



"La Grave" • Grotte di Castellana

  Arte Contemporanea News   

Andrea Benetti La pittura Neorupestre
Ritorna la pittura nelle grotte

9 Settembre  –  25 settembre 2011

Nella Caverna della Grave, dentro le Grotte di Castellana (BA) si tiene la mostra "ANDREA BENETTI - LA PITTURA NEORUPESTRE" a cura del professor Massimo Guastella. La mostra rientra nel programma di ricerca sull'arte contemporanea dell'Università del Salento. All'inaugurazione, Frank Nemola eseguirà dal vivo una composizione musicale realizzata appositamente per l'evento. La caverna della Grave, dove sarà allestita la mostra, misura 100 metri di lunghezza per 50 metri di larghezza e 60 metri di altezza. Su ognuna delle due pareti rocciose (lunghe 100 metri) sarà proiettata un'opera realizzata appositamente (in dimensione 5 metri per 3 metri). Un'opera raffigura un cavallo in omaggio alle Grotte di Lescaux (Francia) e l'altra un bisonte in omaggio alle grotte di Altamira (Spagna). Lungo un percorso naturale, che si presta perfettamente, saranno esposte sette opere su tela, di grandi dimensioni (150x100cm circa), per le quali è stato realizzato appositamente l'impianto di illuminazione.

Il potere delle immagini. Il nuovo graffitismo di Andrea Benetti

"É molto più verosimile che queste pitture siano i più antichi relitti dell'universale credenza nell'influenza delle immagini"
Ernst Hans Gombrich

Ernst Hans GombrichErnst Hans GombrichErnst Hans GombrichErnst Hans GombrichErnst Hans GombrichErnst Hans GombrichErnst Hans GombrichErnst Hans GombrichErnst Hans GombrichErnst Hans GombrichErnst Hans Gombrich
Gombrich dedica le pagine d'avvio del suo fondamentale The Story of Art alle pitture ritrovate nell'Ottocento nelle grotte di Altamira, in Spagna, e di Lascaux, nella Francia meridionale, origine tribale della straordinaria vicenda della storia dell'arte occidentale. Un cammino linguistico lungo e articolato che sin dagli inizi del secolo appena trascorso ha registrato sussulti di non poco conto e che, discostandosi dai canoni e dagli statuti propri dell'arte, si è frantumato in molteplici codici e rivelato di notevole influenza sulla percezione visiva a diversi livelli. E pur tuttavia la pittura primitiva consegnata oramai alle pagine dei manuali di storia dell'arte ritorna degna d'ogni considerazione nell'estro artistico di Andrea Benetti.
Innanzitutto, nella produzione dell'artista bolognese, ridiventa centro delle attenzioni quel potere delle immagini che sin dalle origini la pittura e l'arte in genere hanno esercitato su intere comunità nel corso della storia.
Andrea Benetti, declinandolo attraverso le invenzioni primitive, è soprattutto interessato a passare dalle sedimentazioni dell'immaginario preistorico alla descrizione di ambienti del paesaggio contemporaneo. Le sue opere rappresentano apertamente scenari visionari, che carichi delle memorie iconiche primordiali s'innestano sulle idee del tutto personali sull'arte.
Per lui nella cultura occidentale, dopo l'11 settembre, è giunto il momento di azzerare, ripartire da capo («Noi dobbiamo ripartire dagli albori dell'uomo e dall'arte primigenia, per ricostruire un nuovo mondo, in cui il rispetto per la natura e per la dignità umana siano finalmente al centro del volere dell'uomo») ovvero è necessario riconsegnare contenuti e ridestare interessi nei confronti della condizione esistenziale e del rispetto per la natura nella civiltà contemporanea («quella stessa natura con cui dobbiamo ritornare in armonia e ricominciare a rispettare e ad amare»), eludendo, in particolare nel fare artistico, gesti e concettualizzazioni autoreferenziali gratuitamente provocatorie e fini a se stesse («Una lavatrice rotta o una bicicletta arrugginita non sono arte, ma semplicemente una lavatrice rotta ed una bicicletta arrugginita. L'arte è tutt'altra cosa»).
In una fase storica in cui si rischia l'autodistruzione del pianeta, ciò è quanto, dunque, emerge dal suo Manifesto dell'arte neorupestre, proposto nel 2009 alla 53ª Biennale di Venezia (Padiglione I.I.L.A. – Costa Rica, Natura e sogni), in cui palesa la sua intenzionalità in rapporto a quello che produce: «L'arte deve simbolicamente ripartire dalla proprie origini (...) avrà la lungimiranza di ritornare sui propri passi, verso le proprie radici, consapevole della necessità di dare un segnale chiaro e forte di ricostruzione delle fondamenta, che sono alla base della nostra esistenza».
Benetti propone la forza del simbolo con modalità e icone moderne. In tal senso è uno stratega dell'arte che mette a frutto la sua poliedrica formazione e, in particolare, affiora la sua testa pensante da manager aziendale, che ha attitudine all'organizzazione del lavoro e alle tecniche di comunicazione, per di più supportate da una sensibilità ambientalista e politica. Sa come focalizzare le dovute attenzioni sulla sua produzione: con perizia manageriale, bypassando il sistema dell'arte, ha guadagnato alcune mete espositive di indubbio valore, dalla Biennale veneziana alla 61ª edizione del Premio Michetti, a
Francavilla al mare, e a Palazzo Taverna, nella capitale, sede dell'Amedeo Modigliani Institut Archives Legales. In queste occasioni espositive ed altre come quella che presentiamo in questa sede, il pittore ha presentato le sue pitture recenti che -come ha puntualmente osservato Silvia Grandi- hanno assunto quei caratteri linguistici collocabili nelle esperienze simboliste approdate negli esiti pop, entro cui si registra una operatività di tipo concettuale, non senza, mi pare di poter aggiungere, quelle associazioni tra figure, segni e forme di sapore surrealista e prestiti dagli stili astraenti dei grandi maestri delle avanguardie amati dall'artista (Vasilij Kandinskij, Paul Klee, Joan Mirò), che danno ai suoi modi un'impronta eclettica.
Sui supporti, lui veicola un intricato insieme di figure agevolmente decodificabili, che orientano il senso di annullamento e di rinascita in una collisione cronologica di significati sedimentati nella memoria, in chiave ora di repechage del repertorio pittorico preistorico, in cui animali e cacciatori stilizzati, ossia prede e predatori, danno vita a scenari magico - propiziatori, ora di proiezione contemporanea ove si alterna, a composizioni decorativamente fitomorfe, una rinnovata galleria di prede e predatori o, per meglio dire, di consumi e consumatori: automobiline, velivoli, imbarcazioni, paesaggi marini, giocatori e campi da golf.
È un assortimento, sospeso nell'atmosfera irreale dello spazio, composto da forme astratte e campi colore, che dettaglia i nuovi simboli del momento culturale che essi rappresentano. In una osservazione meticolosa della materia, combinando sui fondi in gesso colori acrilici a sostanze naturali (caffè, karkadè, cacao, hennè) che soddisfano le personali opzioni cromatiche, imprime pattern sulla materia densa che danno rilievo ed evidenza alle sue icone, quasi ad alludere ad una tridimensionalità spaziale. Con una sorta di cloisonnisme alla Gauguin, definisce alfine le sue immagini nel tentativo di sortire nell'immediatezza visiva una lettura semplificata dei tratti principali delle figure, che, campite di colore, sono subito riconoscibili.
Lo sguardo visionario di Andrea Benetti fissa, tra realtà e finzioni, la sua poetica; costruisce frammentari scenari, sereni e perfino divertenti, di vita contemporanea, che tuttavia al tempo stesso divengono metafora della crescente inettitudine e della consuetudine a una irresponsabile quanto confortevole spensieratezza quasi gaudente, priva di sentimenti ed emozioni quanto di preoccupazioni concrete; dunque rappresentano la condizione precaria dell'umanità, il cui comportamento viaggia costantemente sul Titanic in rotta verso la rovina imminente, come l'intende lo stesso artista. Le tematiche invitano a una riflessione più esplicitamente politica sulle problematiche rimosse dall'uomo, segnatamente sulla sua condizione attuale, e vede nel ritorno all'armonia con la natura l'unica possibile forma di riabilitazione.
Con sapiente capacità di suggestione, cioè innescando l'ambiguità delle visioni, Benetti è intenzionato a risvegliare in ogni spettatore tanto il piacere per l'iconico quanto le coscienze, mediante rappresentazioni ironiche sebbene funzionali: quindi rende più esplicito il dialogo tra l'artista e la collettività, facendo leva sul magico potere evocativo delle immagini.

Professor Massimo Guastella
 Curatore della mostra
Docente di Storia dell'Arte Contemporanea
Responsabile scientifico del labTasc
Università del Salento - Lecce

L'evento è patrocinato e promosso da: 
Grotte di CastellanaRegione PugliaProvincia di BariComune di Castellana GrotteCRACC S.r.l. Spin-Off di ricerca dell’Università del Salento - LecceLabTASC (Territorio Arti Visive e Storia dell’Arte Contemporanea) Dipartimento dei Beni delle Arti e della Storia - Università del Salento - LecceArchivio Andrea BenettiCentro Studi Edgardo SimoneMuseo d'Arte Contemporanea Italiana in AmericaIstituto Europeo PegasoOpera Arte e ArtiAssociazione Culturale "Logo Comune"Associazione Culturale "Viedimezzo".


grottedicastellana.it                 andreabenetti.com

MAMbo • Museo d'Arte Moderna BO

  Arte Contemporanea News  

Wayne Thiebaud at Museo Morandi

Wayne Thiebaud, nato in Arizona nel 1920, è considerato una figura chiave nell’ambito dell’arte contemporanea americana. Frequentemente associato alla Pop Art, Thiebaud ha però sempre rifiutato di essere inscritto in un movimento artistico, proprio come Morandi.


Se ad avvicinarlo apparentemente agli artisti Pop è la scelta dei soggetti dipinti - oggetti simbolo del consumismo quali dolci, caramelle, chewing gum, hot dog, cosmetici, giocattoli – a differenziarlo dai cliché spersonalizzanti e meccanici propri della pittura Pop sono l’assenza di critica così come di celebrazione della cultura americana, la ricerca nella tecnica pittorica, la pennellata lenta, pastosa e materica, l’uso della luce modulata e discreta, l’accurata attenzione verso l’impianto prospettico e gli aspetti formali e geometrici della composizione attraverso i quali fa emergere l’anima degli oggetti.
È in particolare questa attenzione verso la disciplina della pittura - parlando di sé si è sempre autodefinito “pittore” più che artista - ad accomunare Thiebaud al maestro Giorgio Morandi e ad altri modelli di riferimento quali Chardin ed Edward Hopper.
Se da un lato le nature morte e i paesaggi di Thiebaud e Morandi possono apparire distanti per ispirazione e contesto, a un esame più approfondito rivelano invece profonde affinità: l’interesse per oggetti di uso comune, semplificati fino a diventare puri elementi formali, la tendenza ad allinearli in progressioni rigorosamente ordinate, l’apparente ripetitività della rappresentazione, lo studio delle varianti, l’isolamento estetico dell’oggetto o dei gruppi di oggetti, l’ottenimento di effetti visivi forti attraverso l’attenzione estrema alla luce, alla forma e alla qualità della pennellata.

in collaborazione con
Colleen Casey - LeBaron's Fine Art
Sacramento, CA



MACRO • Roma

  Arte Contemporanea News  

Adrian Tranquilli
All is violent. All is bright


Il progetto di Adrian Tranquilli è un percorso narrativo che, attraverso due grandi installazioni ricche di sorprese e spiazzamenti, trasforma il Museo in un teatro di una lotta tra Batman e Joker, personaggi archetipici dall’universo iconografico dell’artista. La figura di Batman, visibile già dall’esterno del Museo perché collocata nel punto più alto dalla terrazza, sopra il nuovo ingresso di via Nizza, si staglia sulle superfici sinuose dell’architettura di Odile Decq, mostrandosi come una presenza misteriosa nell’anfiteatro dei palazzi circostanti. All’interno, sopra il tetto della sala conferenze, cuore rosso del museo, emerge in maniera inattesa l’altro momento della narrazione: la Basilica di San Pietro, costruita con migliaia di carte da gioco raffiguranti diverse “facce” di Joker, ripetute e alternate fino all’ossessione per creare un effetto quasi ipnotico. Giocando tra esterno e interno del MACRO, Tranquilli sospende il tempo e ricrea sensazioni ataviche, ritualità misteriose, rivelazioni e sconfinamenti. Una visione scultorea attorno ai temi e ai valori universali che caratterizzano la natura umana. 

Curatore Gianluca Marziani


Promosso da Roma Capitale, Assessorato alle Politiche Culturali e Centro Storico – Sovraintendenza ai Beni Culturali


Guggenheim Museum

  Arte Contemporanea News  

Lee Ufan
Marking Infinity exhibition

June 24–September 28, 2011

Marking Infinity presents the work of artist-philosopher Lee Ufan, charting his creation of a visual, conceptual, and theoretical terrain that has radically expanded the possibilities for painting and sculpture since the 1960s. Lee is acclaimed for an innovative body of work that revolves around the notion of encounter—seeing the bare existence of what is actually before us and focusing on "the world as it is."

Lee was born in southern Korea in 1936 and witnessed the political convulsions that beset the Korean peninsula from the Japanese occupation to the Korean War, which left the country divided in 1953. He studied painting at the College of Fine Arts at Seoul National University and soon moved to Japan, where he earned a degree in philosophy. Over the last 40 years, he has lived and worked in Korea, Japan, and France, becoming a transnational artist in a postmodern world before those terms were current. "The dynamics of distance have made me what I am," he remarks.

In the late 1960s, in an artistic environment emphasizing ideas of system, structure, and process, Lee emerged as the theoretical leader of Mono-ha (literally, "School of Things"), a Japanese movement that arose amid the collapse of colonial world orders, antiauthoritarian protests, and the rise of critiques of modernity. Lee’s sculptures, presenting dispersed arrangements of stones together with industrial materials like steel plates, rubber sheets, and glass panes, recast the object as a network of relations based on parity among the viewer, materials, and site. Lee was a pivotal figure in the Korean tansaekhwa (monochrome painting) school, which offered a fresh approach to minimalist abstraction by presenting repetitive gestural marks as bodily records of time’s perpetual passage. Deeply versed in modern philosophy and Asian metaphysics, Lee has coupled his artistic practice with a prodigious body of critical and philosophical writings, which provide the quotations that appear throughout this exhibition.


Marking Infinity is organized to reflect Lee’s method of working in iterative series and spans the 1960s to the present. Whether brush marks on canvas or stones placed just so on the ground, his markings in space elicit momentary, open-ended situations that engage the viewer viscerally. His distilled gestures, manifesting an extraordinary ethics of restraint, create an emptiness that is paradoxically generative and vivid. Relatum (formerly Phenomena and Perception A, 1969) presents three rocks laid on a latex band marked as a measuring tape. The weight of the rocks causes the band to stretch and buckle, disrupting the system of measurement it codes and reminding us of the capriciousness of rational truth: what you see is a result of where you stand.

Lee’s early painting series, From Point and From Line (1972–84) present a minimal, gestural act that induces in the viewer a lived experience of passing time and physical (rather than depicted) space. In these works, Lee combines ground mineral pigment with animal-skin glue, traditional to East Asian painting on silk. Restricting his palette to a single color on a white ground—colbalt blue or burnt orange, evoking sky or earth, respectively—Lee loads his brush with this powdery, crystalline emulsion and, in From Point, marks the canvas with regular dabs from left to right until there is no more color left. He then repeats this act until rows of gradually fading marks fill the entire canvas. The From Line series pursues a similar systematic approach, moving vertically with single gestural strokes. Lee uses the means of abstract minimalism—seriality, the grid, and monochrome—to alternative ends, emphasizing the gestural mark, the edge, and surface as physical affirmations of existence.

Since his early Mono-ha period, Lee has restricted his choice of sculptural materials to steel plates and stones, focusing on their precise conceptual and spatial juxtaposition. The steel plate—hard, heavy, solid—is made to build things in the modern world; the stone, in its natural as-is state, “belongs to an unknown world” beyond the self and outside modernity, evoking "the other" or "externality."

Arranging the plates in precise relationships to the stones, Lee’s Relatum series (1968– ) presents a durational form of coexistence between the made and the not made, the material and the immaterial elements of our surroundings. The series title is a philosophical term denoting terms, objects, or events between which a relation exists. In Lee’s mind, the occasion of the site-specific work and the network of dynamics it triggers is more important than the object per se, and we the viewer enter the scene as an equal part of the whole.

The show concludes on Annex Level 7 with an installation of Lee’s Dialogue painting series (2006– ). Lee has created a site-specific installation placing a single, broad, viscous stroke of paint on each of three adjacent walls of the empty room. Dialogue–space (2011) sets up a rhythm that exposes and enlivens the emptiness of the space, creating what Lee calls "an open site of power in which things and space interact vividly."

Alexandra Munroe, Samsung Senior Curator, Asian Art





MoMA • NYC

  Arte Contemporanea News  

Runa Islam
Projects 95


May 27–September 19, 2011


British artist Runa Islam (b. 1970, Dhaka, Bangladesh) primarily uses the medium of film in austere and minimal installations that combine a rigorous logic of conception with a highly poetic style. They often take the conventions, histories, materiality, and grammar of film—its language of framing, panning, zooming, editing, and projection—as the bases for structural investigation and narrative experiment. Astutely aware that perception of the world is mediated by cinematic and technological representation, Islam positions her images on the boundaries between visibility and invisibility, legibility and silence, stability and instability, syntactical simplicity and symbolic complexity.



Runa Islam. Emergence. 2011. 35mm film (color, silent), 2:54 min. Commissioned by The Museum of Modern Art, New York, for The Elaine Dannheisser Projects Series. Courtesy the artist and White Cube, London

In The House Belongs to Those Who Inhabit It (2008), Islam explores the boundaries of cinematography by “writing” with the camera, moving it like a graffiti artist’s spray can to spell out the Italian words that, translated into English, are the film’s title. Magical Consciousness (2010) transforms the gilded back of a six-panel Japanese folding screen into the silver screen of film, and in This Much Is Uncertain (2009–10), a relentlessly edited vision of the Italian island of Stromboli, Islam once again aimed for a material transformation, relating the silver grain of the film stock to the texture of the island’s famous black volcanic sand. These three works are presented alongside Emergence (2011), a 35mm film commissioned for the exhibition that explores the relationship between film and still photography.


Organized by Christian Rattemeyer, The Harvey S. Shipley Miller Associate Curator of Drawings.

The Elaine Dannheisser Projects Series is made possible in part by The Junior Associates of The Museum of Modern Art.

Additional support for this exhibition is provided by The International Council of The Museum of Modern Art.